Autor: El Galpón de las Artes

  • Balance 2025

    El Galpón de las Artes

    Balance 2025.

    Evaluación, gratitud y resistencia.

    Cooperación Solidaria

    Reunir la actividad del proyecto como balance, nos permite evaluar, agradecer y compartir las decisiones tomadas con quienes se hicieron parte de distintas formas y son las y los generosos destinatarios de este proyecto.

    En la secuencia temporal, diciembre 2024 a diciembre 2025, el proyecto consolida la gestión por Cooperación Solidaria. Vemos que otras salas o grupos de la ciudad se van haciendo eco de esta premisa “sin barreras de boletería por Cooperación Solidaria”.

    Un concepto que tiene historicidad porque lo acuñamos junto a los grupos participes de la Red Latinoamericana Cruzando Fronteras, con 22 años consecutivos de acción.

    Comunidad

    El Galpón pudo sostenerse como teatro comunitario, como ámbito teatral para la investigación y la producción artística, para el intercambio educativo y cultural, desde una experiencia de planificación con participación comunitaria.

    El trabajo artístico independiente, igual que los sectores de Salud, Educación, o los emprendimientos cooperativos, en fin, estuvo condicionado por la intemperancia de las medidas de recorte.

    El daño es grande. Suspender el fomento que brinda el INT, el estrés del compromiso puesto en la resistencia de nuestras salas, articulando con otros sectores, por nuestras fuentes de sustento y los derechos vulnerados.

    Son emociones encontradas, cansancio, frustraciones y logros en pequeñas huellas para rastrear la energía generativa del arte

    Estos números son lazos comunitarios, son horas de trabajo, son oportunidades generadas para el acceso a la cultura como derecho

    109

    Funciones

    6.5k

    Espectadores

    197

    Artistas

    35

    Grupos

    +900

    horas de ensayo

    2do Festival de Estrenos.

    Cinco obras nuevas nacidas dentro de esta casa. El teatro como modo de sentir que estamos vivos.

    Teatro & Comunidad

    197 Artistas. 35 Espectáculos Distintos. Grupos de Mar del Plata, CABA, Venezuela y España.

    Comunidad y Redes.

    El Galpón puertas afuera: educación, vinculación y lazos internacionales.

    Una economía solidaria.

    Mientras el año avanzaba y fuera del tinglado la realidad no nos daba respiro. Hubo recortes, hubo incertidumbre, hubo dolor social. El Galpón respondió como sabe: abriendo las puertas, generando comunidad. Económicamente, hicimos malabares, como muchos, pero sin naturalizar la injusticia de la precarización. Todo lo recaudado volvió al espacio, volvió a los grupos, volvió a la comunidad. Pudimos sostener los gastos de funcionamiento (que crecieron de manera absurda este año) y seguir pensando en crear y en mejorar la sala.

    *A lo largo del 2025, El Galpón de las Artes fue motor de formación artística y genero sustento económico para 33 grupalidades, 197 artistas: actrices y actores, técnicas/os, dramaturgas/os, cineastas, creadores escenoplásticos, músicas/os, trabajadores de la cultura. La Cooperación Solidaria del año, responsable y justa de los 6.500 espectadores que encontraron en la sala el consumo de contenidos artísticos de calidad interpretativa y estética, pudiendo disfrutar de recreación y cultura, promovió un fondo laboral común, que dio cobijo simbólico y material a los 197 artistas, a la sala y a los espectadores partícipes porque: Todo lo recaudado volvió a la comunidad en formato de nuevas producciones, en mejoras edilicias para recepcionarles, en espacios de encuentro fraternal. Una utopía que abraza el teatro como trabajo, desde un modelo de funcionamiento contrario al individualismo y a las de lógicas acumulación de ganancia, nuestra sala no acumula, redistribuye con equidad lo que el trabajo colectivo genera:

    Distribuido a Grupos Artísticos $27.7M
    Gastos Operativos Sala $8.3M
    Derechos de Autor en su enorme mayoría para autores y autoras marplatenses. $4.4M
    Trabajo Técnico $3.5M

    Más de $27,7 millones fueron distribuidos entre los grupos que hicieron funciones, fortaleciendo la economía del teatro independiente en un año atravesado por la precarización del sector.

    Más de $4,4 millones se destinaron al pago de derechos de autor, en su enorme mayoría para autores y autoras marplatenses.

    Más de $3.5 suma el aporte destinado al trabajo técnico —luces, sonido, operación, montaje, asistencia, oficio especializado que hace posible cada obra.

    y un total de $8,3 millones cubriendo parte de los gastos operativos de la sala que superan los $1.5 millones mensuales.

    Queda claro que el equipo de gestión, trabaja con entusiasmo y le ponemos muchas horas.Como en todos estos años de trayectoria, trabajamos sin retribución económica, pero creemos que es una condición que merece transformarse, pudiendo ingresar como objetivo entre las prioridades que aún quedan sin concreción tales como mejoras de equipamiento, acciones de reacondicionamiento e infraestructura necesarias para el mantenimiento y la bioseguridad permanente que requiere el espacio.

    Este balance expresa nuestro reconocimiento a espectadores, artistas, vecinos, amigos,periodistas, que sostiene el consenso del valor emancipador de las artes para nuestra vida psíquica, reflexiva, afectiva y social y acompañan este proyecto.Nuestro sincero agradecimiento pues sin su participación hubiera sido imposible mantener la sala abierta, imposible ganarse el pan como artistas, imposible concretar la instalación de las butacas que recibimos en donación por la Biblioteca Juventud

    #MiButacaEnElGalpón

    La Biblioteca Juventud Moderna nos donó 120 butacas con historia. Restauramos e instalamos la nueva gradería entre todos.

    Ya se apadrinaron más de 90. ¡Sumáte!

    El “nosotros” que se gesta junto a ustedes impulsó y construyó la gradería nueva: restauramos, lijamos, pintamos, instalamos cada butaca entre mateada, conversa, emociones de alegría y lágrimas de asombro.



    Durante noviembre, en el Festival de Estrenos, celebramos el estreno de las nuevas butacas y el poder del amor. Se apadrinaron más de 90. Muchas llegaron con frases que son augurios amorosos, vivencias que nos ensanchan el alma.

    (Seguimos, claro. Falta llegar al 100%. Falta terminar de vestir la sala para los 30 años que llegan ya mismo.)

    $6.300.000
    $7.000.000
    $7.500.000
    Gradería + instalación de 120 butacas · $6.300.000 – Recaudado $4.882.750 (78%)
    Iluminación y detalles de terminación · Meta $7.000.000 ·
    Festejo enero 2026 · Meta $7.500.000

    * Referencia: con $52.500 por persona × 120 llegamos a la meta base.

    El Galpón de las Artes

    2025 tejió lazos con la memoria ética del cuidado:

    Hubo verano con funciones agotadas, varietés con ganas de reír y aplaudir destrezas. Hubo nuevas dramaturgias, mundos de ficción para creer de verdad y obras que regresaron porque el público las pidió. Hubo invierno calentito, con cascarilla y miel, con cine documental, circo para las infancias, teatro épico, y conversaciones que nos sacudieron el cuerpo.

    Hubo primavera con marionetas que volvieron a casa, después de su aventura por Europa, y así disfrutamos el show de Simon y su troupe circense, más felices que nunca.

    Hubo residencias, ensayos abiertos, talleres, visitas escolares, festivales enormes como el FTI y FUNCINEMA, que eligieron al Galpón como sede y nido.

    Y llegó noviembre con estrenos, con la convicción de que el teatro sigue siendo un modo de sentir que “estamos vivos”:

    Cinco obras nuevas nacidas dentro de esta casa: Solos, un lienzo en blanco, Ojo cayó en la telaraña, (Silencio), Bonito Bonito y Nascere, Parte 1. Más un corto de ciencia ficción local, ¡cómo no Cerrar 2025 agradeciendo!…

    “ A quienes vinieron. A quienes aportaron lo que pudieron. A quienes amadrinaron / apadrinaron una butaca. A quienes ensayaron en silencio cuando nadie veía. A quienes limpiaron, cocinaron, cargaron maderas, enfocaron luces y sostuvieron el cotidiano. A quienes hacen del Galpón una casa y su abrigo ”

    Gracias por acompañarnos a cuidar este jardín en tiempos que piden cuidado.

    Nos vemos en 2026.

  • Bonito Bonito: Un viaje sensorial para vivir la experiencia “casa – teatro” en El Galpón de las Artes

    Bonito Bonito: Un viaje sensorial para vivir la experiencia “casa – teatro” en El Galpón de las Artes

     “Bonito Bonito” de Mónica Arrech y Nahuel Porto Navarro muta a El Galpón de las Artes y es parte de la grilla del Festival de Estrenos. Junto a Ayelén Basualdo, la obra propone un quiebre en la convención teatral, explorando el sentido a través de la intimidad y la percepción que propone, en esta oportunidad, la “casa – teatro”. 

    La obra, que forma parte del Festival de Estrenos, es el resultado de un proceso creativo que comenzó en el interior de una casa real, y que ahora se “muda” al teatro con la promesa de estimular la percepción del público. El domingo 23 de noviembre a las 21:30, el escenario de El Galpón de las Artes (Jujuy 2755) se convertirá en un espacio de intimidad y juego con Bonito Bonito. Las reservas están disponibles a través del siguiente enlace: https://www.galponartes.com/espectaculo/bonito-bonito/

    Originalmente, la pieza se gestó a partir de “pequeños momentos,” utilizando cada rincón de un espacio cotidiano, la casa de Mónica Arrech. “Adoramos cada objeto, cada detalle de la casa; es una mudanza la que estamos haciendo ahora”, explica.

    La incorporación de Ayelén Basualdo al elenco este año sumó un nuevo dinamismo. Aunque se integró inicialmente para la asistencia y el orden —el equipo confiesa ser “un quilombo” que cambiaba la obra en cada función—, ahora va a actuar. 

    ​De la intimidad al escenario: Un Teatro de sensaciones

    ¿En qué contexto nació Bonito Bonito?

    Mónica: En mi casa tengo un taller con muchas telas, tijeras, máquinas, objetos colgando y todo quedaba en uso y se trabajaba en eso, a partir de ahí empezamos a trabajar con Nahu con una palabra y una idea. 

    Nahu: La primera palabra se perdió y la idea también, empezamos a jugar. Para mí estuvo bueno lo de la casa de Moni como también correr de cierta centralidad el rol de la actuación y ver que hay un montón de cosas que están operando y poner la conciencia ahí. Para mí fue una exploración, Moni frena en lugares donde yo no frenaría o pondría texto, haría bardo y me dice pará; y ahí aparecen texturas, olores, el tiempo de las cosas. Por lo menos para mí que vengo de una actuación histriónica, engomada, exagerada bajar un cambio estuvo bueno. 

    Está bueno ir más allá del desafío espacial y ver qué propone ese lugar, porque la adaptación es muy diferente. También en lo actoral, intentamos despojarnos de ciertos modismos, por lo pronto es lo que me interesó de la búsqueda. 

    ¿Cómo fue esa exploración?

    Monica: Hacíamos ensayos de muchas horas, seis horas de trabajo bastante intensas. Empezó con una idea y terminó corridísimo. Todos nos parecía que sí, no hubo muchos no; entonces todo fue más fácil. Y esto de la casa, la luz, de que haya olor a bizcochuelo, a café, los ruidos, de usar el lavarropas, la canilla y que se sienta el agua y darle tiempo a que la gente escuche. No los recibia nadie, eso era muy raro también y la gente tocaba la puerta decía Bonito Bonito y pasaba. La gente se movía sola por la casa, todos los ambientes. 

    Nahu: Era muy loco para la gente, el espacio teatral condiciona pero entrar a una casa desconocida era muy loco. 

    ​Es un gran cambio pasar de una casa a una “casa – teatro” ¿Cómo lo están transitando?

    Monica: Habíamos hecho todo un planteo inicial y lo tuvimos que cambiar. Para el público también, entrar a una casa desconocida como era la mía y moverse por ahí en la penumbra, los sacaba del lugar. En mi casa, ha pasado de personas que se han quedado sentadas en un sillón tildadas, como disfrutando lo que proponia ese lugar con sus luces y sombras. Tampoco nosotros imponemos nada. 

    Nahu: también es parte de la propuesta es decir a donde vayamos vamos a tener que adaptarnos a ese lugar para que la cosa sea. Después es todo un desafío, el espacio teatral condiciona por sus dimensiones a un espacio que no está contemplado como teatro. Eso también es muy interesante porque depende de la inquietud de cada espectador se puede ver hasta donde se la juega. Hay gente que en la casa de Moni se animó a meterse en cuartos donde no se animaban otras personas.

    ¿Cómo fue la incorporación de Ayelén?

    Monica: Ayelén se incorporó este año al equipo, nos hacía falta también un poco de orden, de asistencia. Nosotros no teníamos nada escrito. Inclusive para una misma función llegamos a tener dos flyers distintos para promocionar, porque a mí me parecía mejor uno y a Nahu otro. 

    Nahu: Somos un quilombo, cada vez que la hacíamos  cambiabamos todo.

    Ayelen: Para mi fue todo un momento, Nahu cuando me invitó y no me supo explicar muy bien la obra de qué se trataba. Mi propósito era claro, tenía que controlar a la gente y una vez que arrancó la función empecé a hacer otra cosa. Pasé el texto escrito, las canciones y ahora lo dimos vuelta, porque acá actúo. 

    La propuesta es para un espectador activo, con determinadas decisiones, no muy intensas pero sí pequeñas decisiones.

    ¿Qué buscan que se lleve el público con la obra?

    Nahu: Después de haber hablado con gente que la vio, se llevan sensaciones. A mí me flashó mucho que la gente se detiene en los olores o lo que hago con el personaje: en un momento abro una pava de esas silbadoras, y empieza a salir humito y yo estoy mirando, hay personas que se conmueven con esos momentos y es algo que esta muy corrido de donde yo suelo pensar la cosa. 

    Mónica: es eso, sensaciones, percepción. Acá nos va a cambiar mucho, va a ser muy distinto pero estamos muy dispuestos y tenemos unas ganas de traspasar esa motivación, esa sensación. Tenemos ganas de compartir con la gente, la casa, los momentos, todo lo que hemos pensado para ofrecerles para estimularlos, para degustar, saborear. Todo eso es lo que nos da ganas que la gente pueda disfrutar del espacio: la plazoleta, los pisos, las texturas, el café , los baños, las nuevas butacas, queremos que la gente mire esas butacas nuevas y que las disfrute. 

    ​​La obra, cuyo lema es cuestionar si “el final es otro comienzo,” busca que el público se lleve sensaciones y percepción. Previo a una función en un nuevo espacio el equipo extiende una invitación simple y tentadora a la sala que se está preparando para celebrar sus 30 años: “Que vengan a disfrutar de algo Bonito Bonito, es eso. Es simple, estamos preparando cosas Bonitas Bonitas.”

  • “(Silencio)”, una obra donde la corporalidad narra historias

    “(Silencio)”, una obra donde la corporalidad narra historias

    Tras siete años de números en varietes, Thomas Lacerenza y Mariano Rodriguez estrenan en El Galpón de las Artes su primera obra de teatro físico, un viaje sin palabras entre el humor y el drama, con un guiño al cine mudo. ​En escena, acompañan a los protagonistas Paula Goiburu y Soledad González, quienes participan en dos actos y asisten en los intermedios, sumando capas coreográficas a la propuesta. La función de “(Silencio)” será el próximo viernes 21 de noviembre y las reservas ya están disponibles. 

    ​En la cartelera del “Festival de Estrenos” de El Galpón de las Artes asoma una propuesta que se define por la ausencia del texto: “(Silencio)”. El debut será el viernes 21 de noviembre a las 21:30 y se recomienda reservar lugar a través del siguiente enlace https://www.galponartes.com/espectaculo/silencio/. Luego al finalizar la función se realiza un aporte económico según las posibilidades. 

    La obra marca el debut de Thomas Lacerenza y Mariano Rodriguez en la producción de teatro independiente, coronando una sociedad artística que nació hace siete años en un número de varieté. “Vimos que tenemos química y ahí decidimos encarar una obra”, cuenta Mariano, definiendo la puesta como una colección de “escenas distintas” que encuentran su cohesión en el teatro físico y el humor corporal, con música original en vivo.

    “Nos gusta que la obra provoque cierta similitud con lo que nos provoca a nosotros este tipo de arte. Hay elementos del cine mudo. Abordamos diferentes posibilidades, hay momentos de humor, otros dramáticos, otros donde hay más tensión, algo más de terror”.

    (Silencio) es una obra ambiciosa, con actos entrelazados por intermedios coreografiados y una música original que se vuelve un personaje más. El eje es lograr un “lenguaje universal” que se entienda sin importar el idioma.

    ​La influencia de los grandes maestros es palpable. La dupla confiesa su admiración por figuras como Charles Chaplin y su nieto, James Thierrée o Buster Keaton. De hecho, uno de los actos se convierte en una película muda en blanco y negro.

    UN DESAFÍO CARENTE DE PALABRAS

    ¿Cómo nació este proyecto?

    Mariano: Hace 7 años hicimos un número que después lo repetimos varias veces, nos llevamos muy bien porque hacemos teatro físico, humor físico y después hicimos otro. Vimos que tenemos química y ahí decidimos encarar una obra.

    ¿Qué referentes del teatro físico tienen?

    Mariano: Es difícil porque yo siento que estoy muy lejos de esas referencias, a mi hoy me inspira el nieto de Chaplin (James Thierrée), me deslumbra de una manera increíble. Chaplin también, el español (Hernan) Gené. Sin spoilear de qué se trata, hay uno de los actos que es en blanco y negro, es una película muda, la música es de ese estilo. Los actos son todos muy diferentes, en cuatro estamos juntos y cada uno tiene uno solo. 

    ¿Qué les gustaría generar con este espectáculo?

    Thomas: Nos gusta que la obra provoque cierta similitud con lo que provoca a nosotros este tipo de arte. De hecho hay elementos del cine mudo, Buster Keaton y su corporalidad de estos referentes y musicalmente también. Tiene diferentes climas, momentos y ritmos. Creo que quisimos abordar en este género diferentes posibilidades.

    ¿Qué desafíos tuvieron que atravesar?

    Mariano: Nos re divertimos, el desafío es individual más que juntos. Yo no soy mimo, entonces mi desafío es ensayar y hacerlo lo más personal posible y original. 

     Está todo inventado pero desde la música hasta la temática está obra es muy original por el formato. Creo que le apuntamos mucho a eso.

    Thomas: Nos complementamos bien. Nuestro deseo es expandir nuestras habilidades teatrales, y ponernos este desafío de estos números que requieren cierta corporalidad, cierto desafío físico, nos desafía a cada uno pero es verdad que como nos llevamos bien y nos divertimos mucho y eso también hace que no choquemos a la hora de crear una obra que no tiene texto, tiene otra forma de creación.

    ¿Por qué decidieron producir en El Galpón de las Artes?

    Thomas: Para mí El Galpón es como una casa, como público hasta crear la varieté que se hace hace tantos años (Infinito Punto Rojo), yo lo siento como un hogar y siempre tuve el deseo de hacer una obra acá y cuando nos abrieron las puertas para ensayar fue como un sueño. La sala es hermosa. También el hecho de trabajar a Cooperación Solidaria, la filosofía de la sala es importante para que no haya una barrera de acceso a la cultura, es algo que compartimos entre nosotros y con la sala.

    Mariano: Yo debuté acá con “Cambiá esa cara” y el número que hicimos fue en Infinito Punto Rojo, también acá. Y ahora más con toda la renovación, que sean todas butacas, necesitábamos altura y es una sala que siempre está en movimiento.

    ¿Cómo sienten que llegan al Festival de Estrenos?

    Mariano: Como todas las obras de teatro, justos pero bien. El 90% de la obra es nueva, original. Para una varieté no ensayabamos tanto, ahora hace un año lo estamos haciendo. 

    Thomas: Mismo los números que ya teníamos y haciamos en varietés, están más afinados.

     Llegar al Festival de Estrenos previo a los 30 años de El Galpón de las Artes es un hito para el grupo. “Es hermoso y emocionante formar parte y también da una sensación de vértigo”, dice Thomas, consciente de la cantidad de grupos que buscan un lugar en la sala.

    ​”Silencio” promete ser una experiencia que va más allá de la palabra. “Es una obra que me da la sensación que te va a dejar con ganas”, cierra Mariano y Thomas invita a compartirla ya que es una pieza con un “lenguaje universal”.

  • “OJO CAYÓ EN LA TELARAÑA”: UNA OBRA QUE JUEGA CON RECURSOS DE CINE CLASE B

    “OJO CAYÓ EN LA TELARAÑA”: UNA OBRA QUE JUEGA CON RECURSOS DE CINE CLASE B

    La nueva pieza del dramaturgo marplatense Alejandro Frenkel, “Ojo cayó en la telaraña“, llega al Festival de Estrenos de El Galpón de las Artes, después de un largo proceso de gestación. Agustin Elordi, su director compartió detalles de cómo fue enfrentarse al desafío de poner en escena un texto que no solo se inspira en el cine, sino que lo lleva a escena de una manera singular.

    La pieza teatral es interpretada por Vanina Alonso, Gabriela Benedetti, Roberto de Large y Marcelo Scalona. En tanto que el diseño de iluminación lo realizó Luciano E. Paciotti.

    El director de la puesta en escena, quien fue testigo del nacimiento del texto en un taller de dramaturgia, se sintió inmediatamente atraído por la escritura de Frenkel: “Tiene un estilo muy particular, con una influencia muy fuerte de cine, escribe una dramaturgia con primeros planos”, señala.

    “Ojo cayó en la telaraña” se estreno  en noviembre de 2025 en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755). Cabe recordar que la sala trabaja Sin Barreras de Boletería por Cooperación Solidaria, aunque para una mejor organización se aconseja reservar localidades a través del siguiente enlace y ver próximas fechas:

    La obra se presenta como un desafío estético y de montaje que invita al público a vivir su propia experiencia. “Es una obra más cerca del realismo de lo que parece, no es absurdo porque no cumple con los cánones, tampoco es una comedia por más que tenga algunas situaciones cómicas. Creo que es una suerte de realismo fantástico muy influenciado por la industria cinematográfica”, percibe su director. 

    UNA OBRA DE TEATRO CON CRUCES DE LENGUAJES

    ¿Cómo se gestó este proyecto?

    La obra la escribió Alejandro Frenkel que es un dramaturgo marplatense, fui un poco testigo del proceso porque estábamos compartiendo un taller de dramaturgia. Vi nacer a la obra y la fui siguiendo, siempre me llamó mucho la atención y me gusta mucho lo que él escribe porque tiene un estilo muy particular de escritura totalmente opuesto a mí que soy mucho más concreto y siempre me interesó cómo se hacía para llevar a escena una obra con esas características tan particulares.

    “El hecho de ir acotando para llevar a los actores en un camino creo que fue el desafío más grande, lo que más tiempo nos llevó”

    ¿Qué referencias tuvieron presentes a la hora del montaje?

    Hay un cruce de lenguajes, porque la obra está inspirada en el universo cinematográfico, está claro que hay referencias a cineastas como David Lynch, (Michel) Gondry, (Jean-Luc) Godard está muy presente desde lo textual, su presencia es un personaje. Dentro de eso que se propuso desde la dramaturgia yo decidí agregar algo más a la mezcla. A mí siempre me llamó mucho la atención el cine clase B de los ‘70, el cine de explotación, muy bizarro que se hacía con dos pesos.

    ¿Y qué fue lo que te motivó a dirigir un texto con estas complejidades?

    Me gustó jugar un poco con eso, meter dentro de esta historia tan cinematográfica que al mismo tiempo es muy absurda, ciertas cosas ilógicas, donde se juega algo del subconsciente. Meter todo eso en escena y tratar de que sea funcional fue lo que me impulsó a trabajar.

    ¿Cuál fue el principal desafío?

    La primera reacción de quienes leyeron la obra fue que era “un delirio”, después que pasaba ese filtro empezaban a aparecer puntos de vistas muy distintos sobre la obra. Teníamos dos opciones, montarnos en ese delirio sin saber para dónde iba ni que se iba a llevar el espectador, si íbamos a dejarlo super abierto a múltiples posibilidades que ofrece o si por ahí íbamos a encarrilarlo dentro de una lógica válida para el texto y trabajarla desde ahí. Es normal que intuitivamente el actor vaya hacia ciertos estilos, y siempre está esa primera impresión de la obra que nos llevó mucho trabajo, pero para mi gusto rindió. Logramos que cuando la gente vea la obra no se quede con que es un delirio, hay objetos dramáticos, situaciones que pueden ser poco lógicas.

     “Ojo cayó en la telaraña” está salpicada de pequeños temas universales: los proyectos personales, el destino, las pasiones y los límites.

    ¿A qué remite el nombre de la obra?

    La historia está un poco solapada el nombre es un pequeño chiste ‘Ojo cayó en la telaraña’ como que fue trampeado, entonces muestra una historia que no se entiende para dónde va, que parece ser rara, loca y en definitiva la historia está presente todo el tiempo. Al mismo tiempo me pareció interesante todo el proceso, el durante, qué sucede durante eso que pasa pero no pasa, en donde hay confusiones, me pareció interesante mostrar eso y ver de qué manera podía lograr que acontezca eso de caer en la telaraña.

    ¿Cómo fue la elección de la sala?

    La sala nos eligió a nosotros porque un día entré a la sala y vi la primera mitad de la platea con esos butacones de cine que están buenísimos y una obra que tiene tanta conexión con lo cinematográfico, es más el espacio escénico es un set de filmación con su escenografía, cuando vi la platea sentí que tenía que ser acá, que éste era el espacio ideal.

    ¿Qué representa la obra?

    La obra se presenta como un juego propuesto por el dramaturgo. No hay un sentido único, sino a caer en la trampa sutil de la trama. La telaraña tiene que ver con el sentido, cuando uno empieza a buscar el sentido en una obra y ve que hay objetos que son disruptivos entra en duda con la concepción de lo que está pasando. “Ojo cayó en la telaraña” está salpicada de pequeños temas universales: los proyectos personales, el destino, las pasiones y los límites. Una estructura de sucesos lineal que, a pesar de las distorsiones, invita a la reflexión profunda.

    El estreno, pospuesto por cuestiones de destino y logística, terminó coincidiendo con el 30 aniversario de El Galpón de las Artes y la renovación de su platea, un “momento específico importante” que enmarca un momento importante para el grupo y la sala. “Los invito a caer en la telaraña porque es hermoso participar y ser testigo de eso que no sabemos si está pasando o no para llegar a un final.”, convoca Agustín Elordi.

  • “SOLOS” ¿UN ‘PECADO’ O UN LIENZO EN BLANCO?: LA OBRA QUE INVITA A REDESCUBRIR LA SOLEDAD

    “SOLOS” ¿UN ‘PECADO’ O UN LIENZO EN BLANCO?: LA OBRA QUE INVITA A REDESCUBRIR LA SOLEDAD

    “Solos es una palabra capicúa que se escribe igual del derecho y del revés”, destaca Emiliano Fernández. Este juego con la palabra refuerza la idea central de la pieza que sale a escena en El Galpón de las Artes: que “la soledad es un estado inevitable” que, lejos de ser sombrío, puede ser una “posibilidad de encontrarse con otro u otra”, como subraya María Campora.

    Sus autores e intérpretes desmitifican la connotación negativa que le atribuye la sociedad: “Estar solo es casi un pecado desde una visión católica. Nosotros creemos que eso depende de cada persona”, afirma María Campora.

    “SOLOS, un lienzo en blanco” agotó las reservas para la función de este viernes, pero aún quedan localidades el domingo 16 de noviembre a las 20 en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755). Cabe recordar que la sala trabaja Sin Barreras de Boletería por Cooperación Solidaria, sin embargo por un tema de organización se aconseja reservar localidades a través del siguiente enlace: https://galponartes.com/espectaculo/solos-un-lienzo-en-blanco/. Luego habrá que esperar para apreciarla en plena temporada teatral.

    Creemos que la soledad es una posibilidad de encontrarse con otro u otra y eso es lo que queremos plasmar

    La chispa inicial que derivó en la obra comenzó a gestarse durante la pandemia y se terminó de escribir en 2024.

    El proceso de montaje fue un desafío en sí mismo, dirigido por Sebastián Villar de manera virtual desde Brasil, gracias a las herramientas tecnológicas: “Hay cosas que realmente me pierdo estando tan lejos como la mirada del actor, lo que le está pasando, digamos yo los percibo pero hay algo del vivo que no se produce entonces tiene sus limitaciones y pudimos lidiar con eso”. En este punto, reafirma que fue clave confiar en la mirada de la asistente de dirección, Carmen Domínguez, quien debutó en ese rol y lo califica como un “doble desafío”, una “posibilidad de aprendizaje y crecimiento”.

    El iluminador Gustavo Martincic, también integrante de la cooperativa, es una pieza clave: se encarga de “pintar la escena” con su diseño, dando vida al concepto del lienzo en blanco.

    Al ser un grupo de teatro cooperativo, coincidieron en que los valores de El Galpón de las Artes reunía las características que necesitaba el proyecto. “Sabemos cómo se ha gestado la sala, cómo se sostiene, las obras que se están realizando en el marco de los 30 años que tiene su lógica. Tiene una unión maravillosa, como los mismos artistas, que nos reunimos desde Brasil a Mar del Plata para contar una historia”, analizan.

    UNA OBRA QUE SE CONSTRUYE CON LA MIRADA CÓMPLICE DEL ESPECTADOR-

    ¿Cómo nació la obra?-

    Emiliano: “SOLOS. Un lienzo en blanco” comenzó en tiempo de pandemia, la idea justamente habla de la soledad que nos propició ese momento, después surgieron otros espectáculos en el medio y finalmente en el 2023 empezamos a juntarnos con María, teníamos una pequeña selección de textos dando vueltas queríamos hacer algo y no sabíamos bien qué, y esos textos empezaron a tener algo en común sobre este estado, este sentimiento, esta emoción que es la soledad. De a poquito empezamos a darle forma de obra que terminó de escribirse a finales del 2024.

    María: arrancamos más o menos entre marzo – abril del 2024 con el formato que vamos a hacer y como toda pieza teatral, y más al ser sus dramaturgos se va modificando, te da ese permiso. La reescribimos hasta la semana pasada

    ¿Hay alguna referencia a algún artista en particular?

    Emiliano: Cuando escribimos analizamos pinturas de Edward Hooper para la construcción. Lo interesante es que nosotros somos los protagonistas, los colores aparecen. La idea es trascender ese lienzo, que a su vez habla de la posibilidad de vacío de la soledad que puede ser llenado con las posibilidades que desees, los colores que quieras, de la manera que quieras.

    ¿Por qué eligieron a Sebastián Villar, quien actualmente reside en Brasil, para que dirija “SOLOS…”?

    María: Podríamos haber elegido otros directores en la ciudad pero particularmente trabajé muchos años con Seba, nos conocimos a través del teatro y nos hicimos casi hermanos. Como conozco cómo es su trabajo como director le propuse a Emi y enseguida le copó la idea. Conocemos cómo es su mirada y su forma de trabajar y su minuciosidad que creo que ameritaba.

    La obra tiene algo interesante que tiene que ver con todas las dramaturgias que trabajamos: pasamos de la comedia, al realismo clásico, clown, comedia dramática, melodrama

    Emiliano: Cuando ya teníamos el proyecto más o menos cerradito. Empezamos en principio a terminar de pulirla y había que ponerla a andar. Y a pesar de que la obra habla de soledad y que pensamos que solos íbamos a poder, definitivamente no pudimos. La construcción teatral siempre es colectiva y apareció Seba con el condimento de que está viviendo en Brasil. Pero algo que dejó la pandemia, un poco residual y positivo es brindarnos herramientas tecnológicas que nos permitieron abordar este proceso del montaje de la obra a partir de Zoom, Whatsapp, Meet. Seba, planteó la necesidad de tener una asistente en el país y apareció la posibilidad de que sea Carmen Domínguez.

    ¿Cómo recibiste esa invitación?

    Carmen: Me parece que siempre es una posibilidad de aprendizaje, de crecimiento y tenía ganas de hacer una asistencia. Nunca dirigí, siempre actué y era todo un desafío el rol con un director que está de manera virtual. Es un doble desafío, pero estoy muy contenta con el proyecto en sí por cómo se va construyendo, con la posibilidad de poner a disposición lo aprendido siempre pensando en sumar. Así todo va teniendo su propia magia.

    ¿Cómo llegan al Festival de Estrenos?

    Emiliano: Estamos nerviosos. Estas butacas lindas nos ponen mucha presión. Llegamos con mucha expectativa, con los nervios lógicos me parece. Hace muchos años que estoy en la dirección, estoy oxidado como actor, no sé qué va a pasar pero siempre con una emoción linda. Es un trabajo de parto.-

    María: Hace muchísimos años que estreno y siempre te pones nervioso, siento que el día que no me ponga nerviosa será la señal de que no me interesa y no haga más teatro. Celebro esos nervios, hay que transitarlos; no es agradable, a pesar del año y medio que estamos trabajando empezás a ponerle más valor a lo que van a ver que a todo lo que hicimos. La obra la hicimos con mucho amor, con mucho compromiso, con mucho laburo.

    “SOLOS, un lienzo en blanco” inaugura el Festival de Estrenos 2025 y sus protagonistas invitan a ver las distintas caras de la soledad, prometiendo una profunda experiencia de conexión. “Venir al teatro es una experiencia religiosa. Lo que ves, la música, las luces y te sentás a experimentar algo que te van a contar que es tan personal. Es una experiencia imperdible”, describe María Campora. Para cerrar, Emiliano Fernández asegura que la pieza ofrece una nueva perspectiva, invitando al público a la reflexión y al cambio: “El teatro nos invita a reflexionar sobre cosas que creemos que sabemos… te vamos a invitar a mirar por una mirilla diferente y tal vez te vayas transformado. Vénganse a ver un espectáculo que te va a transformar.”

  • Camino a los 30 años de El Galpón de las Artes

    Camino a los 30 años de El Galpón de las Artes

    “Celebramos 30 años de esperanza. Esta campaña une voluntades para instalar 120 butacas que optimizarán la visión, confortarán tu espalda y fortalecerán la hospitalidad de nuestro teatro poético.”

    Claudia Balinotti, Directora de El Galpón de las Artes
    Meta |
    Recaudado |
    Avance

    Referencia: con $52.500 por persona × 120 llegamos a la meta base.

    🎉 ¡Estamos en Página/12!


    Por primera vez, nuestra historia y nuestro modo de hacer teatro llegan a este medio nacional.

    “El nuestro es como uno de esos viejos galpones rurales, un reservorio donde se guardaban las semillas para sembrar lo que vendrá.”

    💺 También se cuenta la campaña #MiButacaEnElGalpón, con la que queremos instalar las 120 butacas donadas por la Biblioteca Juventud Moderna.

    Leé la nota completa

    Camino a los 30 años de El Galpón de las Artes

    120 butacas para festejar los 30 años de El Galpón: más cómodo y hospitalario

    La Biblioteca Juventud Moderna nos donó 120 butacas. Agradecemos este gran regalo para festejar los 30 años de El Galpón de las Artes. En octubre las vamos a instalar: necesitamos construir la gradería, pintarla y restaurar las butacas.

    Fundamos El Galpón en 1996, entre irse o quedarse: sostenemos la Cooperación Solidaria sin barreras de boletería. El acceso a la cultura como derecho es un legado que solo puede hacerse crecer entre todos. Por eso, sabemos que podemos llamar a tu puerta cuando no podemos solos, y es ahora. Este es el plan:

    Metas escalonadas

    • $6.300.000 · Gradería + instalación de 120 butacas
    • $7.000.000 · Iluminación y detalles de terminación
    • $7.500.000 · Festejo de enero 2026
    Mapa de avance

    Butacas apadrinadas

    Pasá el cursor o tocá cada butaca para ver dedicatorias. Verde = apadrinada.

    Podés dedicar tu butaca con una frase 💬
    Texto de Claudia Balinotti · Directora de El Galpón de las Artes

    “Vamos a andar para llegar … a la vida”

    Celebrar los 30 años de El Galpón de las Artes

    Las palabras nos obligan a reparar en lo que nombran: hospitalidad, dar-se cobijo. Sería una de las primeras condiciones para la vida comunitaria — para una sala comunitaria.

    Celebremos tanta esperanza: hubo y hay hospitalidad con los espectadores y para con el Galpón: sin ese “Nosotros” no seríamos los entusiastas treintiañeros.

    La Biblioteca Juventud Moderna nos donó 120 butacas. Esta campaña celebra unir voluntades para instalarlas y optimizar la visión, confortar la espalda de la espectación y del cobijo que recibe nuestro teatro poético. Y mimar a los teatristas con las mejores condiciones para su presentación. Todo este convite fortalece la hospitalidad.

    El camino del cumpleaños

    Arranca con la instalación de las butacas durante octubre; sigue con el 2º Festival de Estrenos producidos en la sala en noviembre y será disfrutando especialmente este banquete colectivo: la nueva gradería de butacas comunitarias.

    En enero de 2026 nadie duerme

    Baile callejero y primera función de nuestro 30º Cumpleaños en las puertas de El Galpón. No se puede renunciar al deseo, a la articulación colectiva, al teatro que poetiza, sin poesía moriríamos antes, la renuncia nos deja dormidos, anulados.

    Hacé tu aporte

    Cómo colaborar

    Transferencia bancaria + formulario

    1. Realizá tu aporte por transferencia.
      Alias: · CVU/CBU:
    2. ✨ Podés colaborar con el monto que te sea posible — todo suma. El valor simbólico por butaca es de $52.500, pero cada gesto cuenta. 🙌 También podés invitar a amigxs, vecinxs o familiares a sumarse y, entre varios, completar juntos el aporte de una butaca.
    3. Elegí cómo concretar el registro de tu aporte

    ¿Cómo querés apadrinar tu butaca?

    Opción 1: Completar formulario (Recomendado)

    Realizá tu transferencia y luego completá el formulario para registrar tu dedicatoria en el mapa y solicitar factura.

    Ir al Formulario de Registro

    Opción 2: Enviar por WhatsApp

    Transferí el monto que quieras y envianos el comprobante por WhatsApp junto con tus datos básicos para una gestión rápida.

    Enviar Comprobante por WhatsApp

    FORMULARIO DE REGISTRO. Completá este formulario luego de realizar tu transferencia (Opción 1).

    Las reservas online se abren dos semanas antes del evento y cierran unas horas antes del inicio de la obra. 😛

    Cronograma

    Octubre

    • 8–18/10: Construcción de la gradería
    • 19–31/10: Pintura, limpieza e instalación (jornadas comunitarias abiertas)

    Lo que sigue

    • Noviembre: Festival de Estrenos (5 obras) e inauguración
    • Enero: Festejo 30 años — celebración abierta
    • Abril: Cumpleaños oficial del Galpón

    Preguntas frecuentes

    ¿Puedo aportar en otro momento?
    Sí. La campaña sigue activa durante octubre, noviembre y diciembre para sumar mejoras y empezar el 2026 año de los 30 con todo.
    ¿Mi nombre aparece público?
    Solo si querés. Podés elegir nombre, mensaje poético o “anónimo”.
    ¿Entregan factura?
    Sí. Dejanos tus datos fiscales en el formulario junto con el comprobante.
    ¿Puedo ayudar con trabajo durante octubre?
    Sí, habrá jornadas comunitarias coordinadas por nuestro equipo y un carpintero. Avisaremos fechas y horarios por redes y WhatsApp.
    ¿Qué pasa si no llego al monto sugerido de $52.500?
    Todo aporte suma. Con $10.000 nos ayudas a comprar la pintura, con $25.000 a comprar tornillos. ¡Tu cooperación es vital en cualquier monto! También podés invitar a amigxs, vecinxs o familiares a sumarse y, entre varios, completar juntos el aporte de una butaca.

    🛠️ ¿Preferís donar materiales?

    ¡Sí! Necesitamos esto:

    • 5 IPN de 100mm (4,80 mts)
    • 7 Estructurales 100×50×2 mm (6 mts)
    • 15 Fenólicos 18 mm (1,22×2,44 m, una cara buena)
    • 4 lts de cola vinílica
    • 8 lts de pintura negra
    • 200 tornillos 1½” para madera (negros)
    • Electrodos 2,5 mm
    • Discos de amoladora

    Gracias por estar

    El teatro como refugio y motor

    Jujuy 2755 — Mar del Plata · galponartes.com

    Otras Formas de ocupar tu lugar en la platea

    Ayudanos a difundir esta campaña entre tus amigxs y entre quienes sepas que valoran nuestro trabajo:

    Podés descargar esta imagen para compartir en tus redes, enlazando a esta web https://galponartes.com/camino-a-los-30 con el hashtag #MiButacaEnElGalpón

    Sumate a nuestras redes e invita a tus amigxs

    Queremos que la campaña Camino a los 30 años llegue a todas partes y que la próxima temporada de verano sea un verdadero banquete colectivo. Por eso también nos propusimos metas en nuestras redes:

    • Instagram: alcanzar los 12.000 seguidores (hoy somos 9.350).
    • Facebook: llegar a 20.000 (vamos por 17.000).
    • YouTube: crecer a 1.000 suscriptores (hoy tenemos 450).
    • Canal de WhatsApp: sumar hasta 500 personas (hoy somos 72).

    Cada nueva persona que se suma nos ayuda a difundir la campaña y a sostener este teatro independiente. Invitá a tus amigxs a seguirnos: compartí nuestras publicaciones, contales sobre la donación de las 120 butacas y el sueño de celebrar nuestros 30 años con la sala llena de historias.

    Como dice Claudia, la hospitalidad es el alma del Galpón; cada butaca es memoria y cobijo. Acompañanos también en el mundo digital para que la fiesta sea cada vez más grande. ✨

  • Acceso a la Justicia y el rol de acompañante terapéutico desde una perspectiva de derechos humanos

    Acceso a la Justicia y el rol de acompañante terapéutico desde una perspectiva de derechos humanos

    Gacetilla de Prensa

    Acceso la justicia y el rol de acompañante terapéutico desde una perspectiva de derechos humanos

    Este tema será explorado en profundidad en una actividad organizada por la Cátedra Prácticas Profesionalizantes del ISFT N° 151 y el Galpón de las Artes, que tendrá lugar el martes 30/9 a las 17.30 hs en el Galpón de las Artes, ubicado en Jujuy 2755. El evento, titulado “Acceso a la justicia y el rol de acompañante terapéutico desde una perspectiva de derechos humanos”, busca proporcionar un dispositivo para el diálogo interdisciplinario sobre los desafíos y oportunidades en la intersección entre la justicia y la salud mental, enfatizando un enfoque basado en los derechos humanos.

    Coordinación General: Dra. Natalia Messineo, Fernando Ayala y Fabio Gonta

    Sobre la Dra. Natalia Andrea Messineo

    Perfil Profesional: Natalia Andrea Messineo es una destacada abogada, operadora en psicología social y mediadora con una vasta experiencia en la formación de mediadores judiciales. Su carrera está marcada por su compromiso con la promoción de la justicia y los derechos humanos, así como por su dedicación a la enseñanza y la capacitación en diversas instituciones académicas.Biografía: Abogada y operadora en Psicología Social. Mediadora y formadora en el Ministerio de Justicia de la Nación. Formadora y evaluadora de mediadores judiciales del Ministerio de Justicia de la Provincia de Buenos Aires. Docente en la CIJUSO, la Escuela de Psicología Social, la Facultad de Derecho de la Universidad Atlántida Argentina, y la Facultad de Derecho de la UNICEN. Integrante del equipo ejecutor del Programa de Mediación Comunitaria “Abriendo Ventanas” de la Municipalidad de Olavarría. Participante del Proyecto de Extensión Universitaria sobre participación ciudadana y resolución alternativa de conflictos, y del Centro Comunitario de Gestión de Conflictos como estrategia de prevención y promoción de salud comunitaria de la Facultad de Derecho de la UNICEN. Coordinadora Académica del Instituto de Estudios en Derechos Humanos de la Universidad Atlántida Argentina.

    Detalles del Evento:

    Fecha: Martes 30 de septiembre Hora: 17:30 hs

    Lugar: Galpón de las Artes, Jujuy 2755

    Actividad apta para todo público

    Este evento está dirigido a profesionales del poder judicial y de la salud mental, estudiantes, activistas por los derechos humanos y al público en general interesado en estos temas cruciales. Será una oportunidad para intercambiar ideas, experiencias y buscar soluciones conjuntas que promuevan el acceso a la justicia y el respeto por los derechos de todas las personas.

  • FUNCINEMA 2025 · Programación completa

    FUNCINEMA 2025 · Programación completa

    FUNCINEMA 2025 · Programación completa

    Del 23 al 28 de septiembre · Entrada libre y gratuita

    En El Galpón de las Artes entras por Cooperación Solidaria.

    • El Galpón de las Artes (Jujuy 2755) — nuestras funciones
    • Museo MAR (López de Gómara y la costa)
    • Sala Nachman (Bd. Marítimo 2280)

    Martes 23

    18:00 Museo MAR

    Micro Budget

    Dir: Morgan Evans · Largo

    Miércoles 24

    14:30 Sala Nachman Programa

    DEMOGRACIA

    Ver los 6 cortos
    • The terrorist — Meena Rathor
    • City of pigs — Juan Ángel Hernández
    • Thatch to the future — Nicolas Neuhold
    • Jour de permis — Laura Ghazal
    • Adieu bureau — Mehdi Pierret
    • Ladrón de autobuses — Orlando Herrera
    16:00 Sala Nachman

    ¿Tienes un minuto? + Operation cold

    Corto + Largo

    18:00 Museo MAR

    Mi hijo el dotor + Había una vez, hace 40 años

    Corto + Largo

    19:30 Museo MAR Programa

    Locura norteamericana

    Ver los 7 cortos
    • We are Kings — Frank Sun
    • Sandra — Hannah Levy y Jane Chuck
    • Birdhouse — Jerry Pyle
    • Whitch — Hoku Uchiyama
    • Randy as himself — Margaret Miller
    • Freak job — Langan Kingsley
    • Bark — Searit Kahsay Huluf

    Jueves 25

    14:30 Sala Nachman

    Coop + Micro Budget

    Corto + Largo

    16:20 Sala Nachman Animación · Adultos

    Carcajadas animadas de ayer y hoy

    Ver los 8 cortos
    • Ostrich — Marie Kenov
    • Mine! — Lou Morton
    • Aerialist — Anna Kuzina
    • Au calme des cigales — Sarah Deredec et al.
    • Baggage — Lucy Davidson
    • Mambo No. 2 — Anne Feldmeier
    • Mother Ltd. — Vendula Veliskova
    • Lola, Lolita, Lolaza — Mabel Lozano
    18:00 Museo MAR

    La banda + De todos lados un poco

    Corto + Largo

    20:00 Museo MAR Programa

    Hagamos el humor

    Ver los 7 cortos
    • Pelea de novios en la Edad Media — Orlando Herrera
    • I hate New York — Jasmin Baumgartner
    • Stranded — Reilly Archer-Whelan y Michael Whyntie
    • Learning English — Jean Liu
    • Bi-Nocular Panic — Anouk Witkowska Hiffler
    • Viola — Marco Lorenzo Masante
    • Saturn in Venus — Alla Eliseeva

    Viernes 26

    14:30 Sala Nachman

    Petanque + Time travel is dangerous!

    Corto + Largo

    16:40 Sala Nachman Programa

    WTF

    Ver los 7 cortos
    • Limoges — F. Niquet-Rioux, M. Severi
    • The sentry — Jake Wachtel
    • Maman — Christophe Switzer
    • Traitor — Michael Lavoie
    • Lethal Ethel — Elayna Einish
    • Mamá… Reprobé la prepa — Orlando Herrera
    • Aïe, aïe, aïe… Problème, problème — Stéphane Petry
    18:00 Museo MAR Programa

    ¡Qué viva España!

    Ver los 6 cortos
    • La mort — Jesús Martínez Nota
    • ¿Cómo que abuela? — Xavi Vitoria
    • Mil posibilidades — Marcos Alcaráz
    • Al fresco — Ignacio Rodó
    • El desayuno de los funcionarios — Javier Gómez Bello
    • Sexo a los 70 — Vanesa Romero
    20:00 Museo MAR Competencia

    Competencia Internacional de Cortos I

    Ver los 7 cortos
    • The ugly chickens — Mark Raso
    • Irrelevante — Joel Munu
    • Hello summer — Martin Smatana y V. Zacharová
    • Elvira — Sarah Segal-Lazar
    • My wonderful life — Calleen Koh
    • Check please — Shane Chung
    • El desliz — Aurélien Laplace
    21:30 El Galpón de las Artes NOCHE ALUCINANTE presentada por PABLO CONDE

    Bad Black

    (Idem / Uganda / 2016 / 69 minutos) Dir: Nabwana Isaac Godfrey Geoffre.

    Reservar proyección vie 26, 21.30hs

    Las reservas online se abren dos semanas antes del evento y cierran unas horas antes del inicio de la obra. 😛

    Sábado 27

    16:00 Museo MAR Competencia

    Competencia Internacional de Cortos II

    Ver los 8 cortos
    • Sam & Lola — Mahaut Adam
    • Funny guy — Julia Zadarko
    • Extras — Marc-Antoine Lemire
    • P is for penis — Joe McGowan
    • Night session — Ballard C. Boyd
    • Ghosting — Yago Casariego
    • Sacramento — Thomas Voloder Antenucci
    • Long faces — Nicolas Galoux
    17:50 Museo MAR

    Le dodo lé la + Plesiosaurios vivos

    Corto + Largo

    20:00 Museo MAR Competencia

    Competencia Internacional de Cortos III

    Ver los 8 cortos
    • Mort d’un acteur — Ambroise Rateau
    • The girl and the axe — Varvara Arenskaia
    • Lumen — Stéphanie Bélanger
    • Fire at will — Morgan Gruer
    • Retirement plan — John Kelly
    • Loyal — Sara Chia-Jewell
    • Depredador — Javier Fesser
    • Los Pantonne — Florencia Momo
    21:30 El Galpón de las Artes NOCHE ALUCINANTE presentada por PABLO CONDE

    Psycho Goreman

    (Idem / Canadá / 2020 / 94 minutos) Dir: Steven Kostanski

    Reservar proyección sáb 27, 21.30hs

    Las reservas online se abren dos semanas antes del evento y cierran unas horas antes del inicio de la obra. 😛

    Domingo 28

    16:00 Museo MAR Animación · ATP

    Carcajadas animadas de ayer y hoy

    Ver los 6 cortos
    • Stupid dog — Daria Ishcheykina
    • La pandilla del Capitán Mondongo — Emilio y Jesús Gallego
    • Lights — Aitana Cantero Velasco y María Isabel Sáiz Romero
    • Once upon a time there was a mountain — Natalia Abramova
    • Litera — Vasilisa Tikunova
    • Hell troops — Emilio y Jesús Gallego
    17:10 Museo MAR Programa

    Reid mortales

    Ver los 10 cortos
    • En la cama — Pablo Noriega
    • El gran atleta — Melina A. Andrada Bustos, Emilio Zapata Vellio, Nicole C. Zelaya Aragón
    • Qué hace tu perro cuando está solo — Julián Marcipar
    • Guiso — Albertina Verdinelli
    • Contacto estrecho — Coco Murphy
    • Una emergencia — José Grané
    • Villa Dodo — Néstor Frenkel
    • El proyecto L.O.L.A. — Gonzalo Zilberman
    • Quiricocho — Joaquín Duschatzky
    • Las Panteritas — Alejandro Gallo Bermúdez
    19:00 Museo MAR

    Ceremonia de clausura

    más info del festival en https://www.funcinema.com.ar/2025/09/funcinema-2025-grilla-con-todas-las-peliculas-dia-por-dia-y-funcion-por-funcion/

  • Una jornada con sensibilidad militante a cargo de Nacho Levy en El Galpón de las Artes

    Una jornada con sensibilidad militante a cargo de Nacho Levy en El Galpón de las Artes

    En medio de un contexto político y social complejo, El Galpón de las Artes recibe a Nacho Levy, referente de La Garganta Poderosa para compartir una charla abierta a la comunidad para compartir y trazar nexos entre organizaciones y espacios políticos. La jornada organizada por La Poderosa junto al Centro Cultural Ramona Medina tendrá lugar este domingo a las 17 en la sala ubicada en Jujuy 2755. 

    Nacho Levy arriba este fin de semana a Mar del Plata como parte de las actividades del Centro Cultural Ramona Medina, con eje en Las Dalias, donde funciona la asamblea local de La Poderosa. Durante su visita recorrerá el barrio para reconocer las diferentes problemáticas que se acentuaron en el último tiempo y luego compartirá una jornada recreativa junto a pibes y pibas que participan del espacio. 

    Por su parte, el domingo a las 17 brindará una charla abierta a la comunidad en El Galpón de las Artes, Jujuy 2755. La misma está destinada a aquellas personas que tengan “sensibilidad militante” y quieran acercarse a la experiencia de La Poderosa, colaborar en las asambleas o generar nexos entre organizaciones y espacios políticos. 

    En concreto, los ejes que se abordaran durante las dos jornadas serán: el estado del barrio Las Dalias y la asamblea de la Poderosa, el abandono del Proyecto de Obras Tempranas (POT), jubilados empobrecidos, la ley de Cocineras Comunitarias, la falta de calles, de CAPS 24 hs y de espacios de recreación como el abandono del Polideportivo, privatización del Parque Camet y de las playas cercanas.

    ¿Qué es La Poderosa?

    Se trata de un movimiento villero, feminista, barrial y latinoamericano que desde hace más de 20 años impulsa asambleas en distintos territorios. Luchan por la dignidad en los barrios populares, visibilizando las problemáticas cotidianas y construyendo organización comunitaria desde abajo. El objetivo es transformar la cruda realidad y fortalecer el trabajo en comunidad a partir de la educación popular, el cooperativismo y el deporte.

    Ignacio, popularmente conocido como Nacho Levy, es militante, docente, fundador de La Garganta Poderosa, la revista que comenzó con publicaciones en el 2010. Se gestó como una forma de contrarrestar la estigmatización social que los medios masivos de comunicación fomentaban sobre los barrios populares como contrarespuesta, la revista busca mostrar la realidad escrita y fotografiada por los propios villeros.

    Como sello distintivo en todas sus ediciones entrevistan de manera singular a figuras de interes público, así pasó Diego Maradona, Lionel Messi, Evo Morales, Pepe Mujica, Lali, el Indio Solari, Charly Garcia, Juan Román Riquelme, Luciana Aymar, Estela de Carlotto, Nora cortiñas, Ricardo Mollo, Silvio Rodrigues, Diego Capusotto, Quino y Gustavo Nápoli (Chizzo), entre otros. 

    Con el afán de tender puentes, el comunicador popular no deja de recorrer los barrios para compartir charlas y encuentros para poner en discusión las problemáticas que atraviesan diferentes comunidades y ante el avasallamiento de derechos que propone el gobierno de Javier Milei sale a la calle para que el Estado esté presente en la vida diaria.

    El latido de los cuatro vientos

    El Galpón de las Artes vivió un fin de semana largo de preguntas abiertas y verdades compartidas…

    Lo que queda después de tres mañanas en un taller de dramaturgia con Arístides Vargas

    Por Paola Galano. Durante el 30 Encuentro Cruzando Fronteras. El Galpón de las Artes, Mar del…

    Cine y teatro en tono de comedia para disfrutar en El Galpón de las Artes

    La sala ubicada en Jujuy 2755 cierra el mes con lo mejor de Funcinema, la experiencia teatral de…

    El Galpón  de las Artes abre sus puertas al 30° Encuentro /Cruce “Cruzando Fronteras”

    Desde este viernes 22 al lunes 25 de mayo, la sala ubicada en Jujuy 2755 compartirá obras de…

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    La disputa es la sensibilidad. Y estos son tiempos fieros para esa disputa, porque el apuro borra y…
  • Melani Luraschi “se espeja” con Nenette y Yupanqui en El Galpón de las Artes

    Melani Luraschi “se espeja” con Nenette y Yupanqui en El Galpón de las Artes

    Melani Luraschi cantante y compositora de Maldonado, Uruguay arriba a El Galpón de las Artes para presentar su más reciente proyecto “Je suis Nenette”. La obra musical que presenta este viernes revisita y repiensa la figura de la artista francesa, la cual compuso durante la residencia artística en la Casa Museo Atahualpa Yupanqui. “Que el espectáculo sirva de inspiración para trazar puentes entre el pasado, el presente y el futuro”, invita. 

    Con “Je suis Nenette”, la artista uruguaya quiso abordar las distintas aristas de la compositora francesa que fue un pilar fundamental en Atahualpa Yupanqui. “Siento que, al ver el documental, surgen preguntas que luego se van respondiendo poco a poco a través de las canciones y de la reflexión”, reafirma previo al concierto en Mar del Plata y agrega: “Este proyecto no busca dar respuestas definitivas, sino abrir interrogantes y seguir pensando en las mujeres invisibilizadas, en las formas posibles de darles voz y visibilidad”.

    Guitarra, charango, cuatro venezolano o piano son sus fieles instrumentos para transmitir su música: íntima, sensible y profunda. En esta oportunidad, de gira con “Je suis nenette”, Cruza Fronteras y arriba a El Galpón de las Artes para compartir su reinterpretación de la obra que plasmó la compositora y pianista francesa Antonietta Paule Pepin Fitzpatrick, conocida artísticamente como Nenette, junto a Atahualpa Yupanqui, con quien coescribió canciones emblemáticas como “Luna tucumana” y “El arriero”, firmadas bajo el seudónimo Pablo del Cerro.

    Durante una investigación que realizó en 2024 en Cerro Colorado, Córdoba en la Casa Museo Atahualpa Yupanqui, Melani produjo un álbum de ocho canciones y un documental que se podrán disfrutar en una única función este viernes 22 de agosto a las 20:30. “El lugar fue muy importante: no es lo mismo investigar y componer en cualquier sitio que hacerlo en la casa donde esa persona vivió, donde están sus objetos y su energía”, sostiene.

    Se trata de un espectáculo íntimo que combinará un concierto musical, la proyección del documental de 15 minutos de duración y un conversatorio sobre la creación artística, perspectiva de género coordinado por la periodista Paola Galano. Las reservas están disponibles a través del siguiente enlace: https://galponartes.com/espectaculo/je-suis-nenette/

    ¿QUIÉN ES MELANI LURASCHI?

    La cantautora uruguaya subió al escenario por primera vez a los cinco años. A partir de ese momento comenzó a estudiar artes escénicas hasta que “un día la música llegó a mi vida y se instaló para siempre”. En su recorrido artístico se abocó a la docencia profundizando sus clases para infancias ya que su pasión radica en enseñar el “potencial transformador social”.

    Ha compartido escenario con artistas como Larbanois, Julieta Rada, Fernando Cabrera, Gabriela Gadú, Lisandro Aristimuño y Cyrille Aimee, entre otros. Así recorrió diferentes escenarios en Madrid, Barcelona, Paris, Lima, Santiago de Chile, Buenos Aires, Porto Alegre y Sao Paulo.

    ¿Cómo fue el proceso de investigación y documentación sobre Nenette y su relación con Atahualpa Yupanqui?

    Comenzó en París, cuando encontré el libro Cartas a Nenette. Empecé por leerlo y también realicé entrevistas, entre ellas a Pat Acris, un “yupanquiano” francés que vive allí. Poco a poco fui armando un mapa de información y tratando de imaginar quién había sido Nenette para mí.

    “Me enviaron muchas fotografías y, ya en el Cerro Colorado, pude ver de cerca sus prendas, sus lentes y otros objetos. Fue como un ejercicio teatral de construcción de personaje”.

    ¿Qué descubrimientos o hallazgos interesantes encontraste durante la investigación y cómo los incorporaste en el proyecto?

    Uno de los hallazgos más significativos fue algo que me dijo su nieta: “Sin Nenette, Yupanqui nunca hubiera llegado a ser tan reconocido”. Esa frase me reveló otra faceta de su aporte: no solo fue pianista y arregladora, sino también una gestora de la carrera de Atahualpa. Organizó giras, gestionó contactos y cuidó detalles de su proyección artística. Hoy podríamos llamarla “manager” o “productora”, pero en su época ese rol quedaba invisibilizado, sobre todo si lo ejercía una mujer.

    También me marcó algo que dijo el Koya, su hijo: “Nenette dio lo mejor de sí en una tierra que no era la de ella”. Esa dimensión habla de lo que significa migrar, establecerse en un país nuevo, adoptar costumbres ajenas y, al mismo tiempo, aportar lo propio. Como migrante, me reconozco en eso.

    ¿Cómo surgió la idea de crear “Je suis Nenette” en la casa Museo de Atahualpa Yupanqui?

    Fui convocada por Agustín Arosteguy y Daniela Massone, docentes del seminario Geografía y musicalidades de América Latina, con la propuesta de realizar una residencia de investigación sobre Nenette. Llegaron a mí por recomendación, y desde ese primer contacto comenzamos a dar forma a un proyecto cuyo objetivo era revisitar y repensar su figura en el marco de una residencia artística en la Casa Museo Atahualpa Yupanqui.Desde mi lado propuse crear un álbum nuevo allí mismo, inspirado por la información y las historias que me compartían sobre ella.

    “Contar con la presencia del Koya, hijo de Atahualpa, y con todo el entorno humano y natural del Cerro Colorado, fue fundamental para que este álbum pudiera nacer”.

    ¿Qué significado tiene para ti la conexión entre Nenette y Atahualpa Yupanqui, y cómo se refleja en tu proyecto?

    Me resuenan varios aspectos. Por un lado, la migración y las nacionalidades cruzadas: Nenette nació en Francia y se instaló en Argentina siendo muy joven; Atahualpa nació en Argentina y vivió gran parte de su vida en París. Por otro, las giras constantes de Atahualpa, que me recuerdan a mi propio recorrido viajando por diferentes países.

    “También me marcó su relación epistolar: leí las cartas que él le enviaba desde París mientras yo misma estaba en esa ciudad, y luego viajé al Cerro Colorado para vivir de otra manera todo aquello. Hay un juego de espejos entre sus experiencias y las mías que se fueron filtrando en el proyecto, tanto en lo musical como en lo narrativo”.

    ¿Cómo fue la experiencia de grabar un documental en la casa Museo y qué desafíos enfrentaste?

    El documental nació de forma intuitiva. No tenía un plan concreto: simplemente quería registrar todo lo que pasaba, y para eso utilicé mi celular. Siempre me gustó filmar y trabajar de manera espontánea. Cuando regresé a París después del viaje, comprendí que ese material podía transformarse en una obra en sí misma. En ese momento atravesaba una etapa difícil, y el proceso de montaje me ayudó a unir los hilos de esta historia.

     ¿Cómo se relaciona el documental con el espectáculo “Je suis Nenette” y qué puedes decir sobre la experiencia de proyectarlo junto al show?

    El documental funciona como una puerta de entrada al espectáculo. Cuando lo proyecto antes del show, el público ya llega a las canciones con una conexión emocional y visual mucho más profunda. Ven el lugar, conocen a las personas, escuchan fragmentos de las cartas y sienten el entorno que inspiró la música. Esa experiencia transforma la escucha: no es lo mismo oír una canción sin contexto que hacerlo después de recorrer, aunque sea en imágenes, el universo donde nació.

    “Que el público viva una experiencia inmersiva: que pueda conocer a esta Nenette que se ha creado, acercarse a su mundo y, al mismo tiempo, reflexionar sobre cuántas mujeres artistas han quedado invisibilizadas en la historia”.

    ¿Qué esperas que el público se lleve de la experiencia de ver “Je suis Nenette” en Mar del Plata?

    Espero que se lleven preguntas y curiosidad. Que quieran saber más sobre Nenette, que busquen sus composiciones, que piensen en las artistas de su propio entorno que tal vez no han tenido suficiente visibilidad. Y, sobre todo, que sientan que la música puede ser un puente entre épocas, lugares y personas. Que sirva de inspiración para trazar puentes entre el pasado el presente y el futuro

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