El teatro independiente es más que una postal en temporada, es una alternativa que profundiza en diferentes estéticas y que no solo busca entretener. Así tres años atrás, indagó la artista Wanda Mañas quien esta temporada se presta en un espectáculo unipersonal pluridisciplinario para todo público en El Galpón de las Artes.
Acrobacias aéreas, parada de manos, clown y teatro se entrelazan en “El Sol” una creación poética, una que “se vuelve un pequeño universo”. “El espectáculo es muy apreciado por el público, infancias de distintas edades quedan atrapados a través de las imágenes creadas, una historia a través de imágenes y sonidos”, comparte la artista y resalta que la “transformación del personaje a través del vestuario lleva a la imaginación de cada persona”.
“El Sol” es un proyecto que inició en el 2022 en Francia y tras un hermoso recorrido volvió esta temporada a la sala ubicada en Jujuy 2755. Para su concreción contó con el apoyo de El Galpón de Las Artes y organismos culturales franceses: Piste d’azur-centre régional des arts du cirque-, ZimZam, Archaos, Extrême jonglerie, Marie de Vallauris.
Con la mirada cómplice de Michelle Cajolet Couture, Wanda Mañas logró realizar una obra mágica y envolvente que consigue abrir la imaginación de quién se siente en la butaca.
¿Cómo nació “El Sol”?
Comencé la creación en 2022, en Francia. Realicé varias etapas de creación con el apoyo de diferentes organismos culturales franceses. Todo comenzó a partir del vestuario y la creación del mismo a partir de tinturas naturales, con hojas y corteza de árboles. La hoja seca fue el objeto a partir del cual empezó la creación, como materia para el vestuario y parte principal de la escenografía.
“La hoja seca fue el objeto a partir del cual empezó la creación, como materia para el vestuario y parte principal de la escenografía”.
¿Y cómo evolucionó esa investigación a través de una hoja?
La escenografía y el vestuario fueron creados a partir de hojas secas, fibras y tinturas naturales. Todo está vivo o tuvo vida. Las hojas se vuelven testigo del viaje que la artista emprende en escena transformándose, cruje en ellas el fuego de las vidas pasadas, las historias vividas. Y se abre un espacio donde los ciclos naturales que nos mantienen en constante evolución estarán presentes a través del movimiento acrobático y el juego poético. El espectáculo se vuelve un pequeño universo que late con el público presente.
¿Cómo fue la articulación para los diferentes apoyos?
Viví 10 años en Francia y en 2023 cuando decidí volver a Mar del Plata siempre imaginé el espectáculo en El Galpón, fue el primer lugar donde hice un espectáculo de circo 20 años atrás y donde siempre volví en cada viaje a visitar o hacer números en Variétés. Recibieron la propuesta con los brazos abiertos. Me siento en casa, es un placer poder actuar en el Galpón, por su calidad artística y humana.
¿Cuál es la respuesta del público?
El espectáculo es muy apreciado por el público, infancias de distintas edades quedan atrapadas a través de las imágenes creadas, una historia a través de imágenes y sonidos. La transformación del personaje a través del vestuario lleva a la imaginación de cada persona.
“El Sol” ilumina El Galpón de las Artes con una propuesta única que merece ser compartida. Que abre universos gracias a la potencia que tiene el intercambio de lenguajes poéticos sin límite de edades. “Mi motivación es poder abrir esa ventana de imaginación y creación en el público”, sostiene Wanda que espera a cada espectador para abrir la puerta para imaginar.
La temporada 2025 continúa en El Galpón de las Artes con una cartelera que cuenta con diversas propuestas para compartir una noche en familia y son imperdibles, como “El Naides”, el unipersonal que interpreta Nacho Rey todos lo viernes y que logra emocionar a través de una historia simple con destrezas circenses.
La comedia negra que invita a reír como a reflexionar sobre relaciones familiares se sitúa en una casa marplatense, en ruinas. Una familia disfuncional, ensamblada espera con desesperación saber algo de su padre que desapareció, sin dejar rastro. Falta el sostén económico. Están sin gas, con frío y hay un hombre que pretende ingresar a la casa. La desesperación y el miedo es total.
De esta manera, seres rotos comparten el mismo techo por necesidad y es esa necesidad lo que los lleva a compartir con el público momentos dramáticos en donde lo cómico aparece para descomprimir la tensión que está latente todo el tiempo. En esta comedia dramática los vínculos sostienen la trama con momentos hilarantes como cargados de emotividad. Alejandra Grollino y Roberto de Large comparten la intimidad de “Los cinco grandes del mal humor”.
“Cuando yo me muera analicen mi obra, repártanse las regalías, adjudíquenme las deudas ¿Quién es el personaje de quién? Somos cuatro o cinco idiotas hablándole a las cosas que ya no están”
texto de Guillermo Yanícola en La bella dispersione
¿Cómo surgió la idea de reponer la última obra de Yanícola?
(Alejandra) En el 2021 quisimos volver por esta cuestión del Festival de teatro independiente y recordar todas las obras de Guille que se estaban haciendo, pero por cosas personales y tiempos no se dio. Fue en el 2023 que convocamos a nuevos compas.
¿Y la elección de Natalia Prous en la dirección?
(Alejandra) Natalia en primera instancia iba a ser una de las actrices pero no se pudo lograr y en esta segunda instancia le propusimos que sea la directora y ella está feliz de poder cumplir ese rol. Roberto De Large y Lucila Iriarte se acoplaron al grupo y fue un hermoso proceso
En tu caso te sumas como incorporación pero habías integrado otros elencos con Yanícola ¿Qué te pasó como espectador?
(Roberto) Yo la había visto y me había parecido una de las obras más agrias de Guille y se estrenó junto con Actores Extranjeros y Festival Salvatti. Cuando la vi sentía que estaba todo en tensión permanentemente, pasó el tiempo y cuando me convocaron la quise hacer porque recordaba que era un desafío fuerte para la actuación.
¿Qué pasó cuando tuviste que interpretarla?
Cuando la empecé a leer la quería hacer ya porque me interesaba, mi personaje tiene muchos roces sexuales con otro personaje femenino que como es amiga mía ella confía mucho y nos animamos a jugar cuestiones que quizás en la anterior no se jugaban tanto, en ese sentido la obra creció. Con Lucila Iriarte que es una tremenda actriz nos fusionamos fácil, el primer ensayo fue una leída en mi casa y en el tercer ensayo ya estábamos trabajando.
¿Cuál es la respuesta del público?
(Alejandra) Nos han dicho que esta versión de la obra desprende más humor que en la anterior. Se podría decir que es una comedia dramática. A veces la risa sirve para escapar un poco de la tensión, pero ahora la gente por momentos se ríe de lo que hacen estos personajes.
(Roberto) Es tanto drama que pasa a la barrera del humor si está bien trabajada, y sino se queda en una cosa que no funciona.
“Esta obra de Guille (Yanícola) tiene su parte disparatada como otras pero la carga dramática y esta cuestión agria la hacen distinta”
¿Hicieron una interpretación de la obra?
(Alejandra) Se respetó la puesta en escena tal cual fue en el 2019, pero los cambios lo aportan la impronta del actor y la actriz, y eso es lo que rescato Natalia como directora.
¿Durante el proceso creativo o las funciones tuvieron presente a Guille Yanícola?
(Alejandra) Todo el tiempo tengo presente a Guille, en los ensayos sé que me diría baja un poco, más lento…
(Roberto) A mí me pasa que hice tantas cosas con Guille en muy poco tiempo: desde el 2011 hasta que falleció, en esos años hice ocho obras. Siento que soy intervencionista, no tengo drama en entrar e intervenir, algo heredé de eso, antes de anotarlo lo hago. Siento que él hubiese estado muy arriba de esta obra como estuvo siempre, pero acá se trabajan muchas sutilezas, tensiones y miradas. En el teatro hay ciertos silencios en los que Natalia hizo mucho hincapié en que se sostengan y terminaron de cerrar en el estreno con el público, cuánto dura un tiempo, una pelea, cuánto dura el volver a hablar. Es difícil hacerse entender porque el actor/ actriz que está en escena quiere hacer todo el tiempo y acá aprendimos a sostener.
“El convivio es todo en el teatro, porque la gente se ríe de cosas que uno no esperaba”, coinciden el actor y la actriz. En retrospectiva siguen confiando en el material del dramaturgo y las herramientas que les aportó. Con energías renovadas cada personaje acentúa su impronta en escena y le da un sentido de pertenencia único, propio para llegar a quien se siente en la butaca.
La obra “Los cinco grandes del mal humor” funciona como un recordatorio de que incluso en los momentos más oscuros, la ironía puede ser un bálsamo necesario para digerir el trago más amargo. Así, El Galpón de las Artes continúa recibiendo a marplatenses y turistas que se sienten interpelados por espectáculos del género absurdo como “Haga Algo”, de Natalia Kramer que quien no la vio aún está invitado a hacerlo.
En tiempos de impotencia, cuidamos un jardín teatro, una casa teatro. Hay quienes se atreven a cuidar del jardín.
Caótico presente, decadencias y crueldad. Admito que lo que escribo son palabras pero ¿Y si salimos y ya no están?
Hay quienes persisten en discriminar entre individualismo y comunidad, entre discursos y el gesto concreto de las artes que ensancha un sentimiento honesto en nuestra interioridad la condición humana de la libertad.
Hay quienes se atreven a revisar el concepto cínico de libertad en un mundo donde pocos pueden elegir. ¿Cómo vamos a recordar que la acumulación no es más importante que la vida?
En tiempos donde casi llega a ser imposible distinguir entre verdadero y falso, somos experiencia concreta de la cooperación y la solidaridad: El Galpón de las Artes se hace así religandonos amorosamente como oportunidad humanizante por el encuentro.
“Hay un toro desnutrido y negro en el fondo de las casas de los hombres y mujeres que no tienen casa y jardín. Enterrado, casi tragado por la maleza, un gesto honesto irrumpe, llegan inquietos, sensibles, atentos los espectadores. Sí: las estrellas vienen cada noche a moverse en sus ojos, suenan sus cuernos donde viven centenares de arañas, llamando a las luciérnagas.”
Gracias por cuidar nuestro vuestro Galpón de las Artes, por hospedar nuestra propuesta teatral, por volver, por expandir la cooperación y la solidaridad como horizonte colectivo.
El teatro como refugio y resistencia
Desde hace 30 años, El Galpón desafía el sistema convencional del mercado, nuestra voluntad de transformación no se detiene: la cooperación solidaria que cada grupo aporta por ensayo es un puente que sostiene el deseo, cada función un acto de confianza en que seremos capaces de aprender a imaginar juntos lo que parece imposible, ejercer la voluntad de incidir en la historia presente, porque alienar lo humano en la incapacidad de determinar nuestro futuro es algo que tristemente ya está presente.
Hemos convertido este teatro en un ámbito de producción cultural con más de cien funciones anuales, casi mil horas de ensayo que llegaron a ser los estrenos de esta temporada. La cooperación solidaria no es solo la garantía de acceder a la cultura como derecho, sin barreras de boletería. Es la raíz identitaria de este teatro-proyecto. Afuera grita el poder financiero, afirma el progreso de los mercados “liberados”, en la potencia de lo comunitario susurra el disenso, una polifonía de voces y ficciones dan vuelta esas ecuaciones que todo lo afirman.
¿Para qué desbordar la palabra en soliloquio? ¿Para justificar la exclusión, el odio y la amenaza? En el teatro la palabra se convierte en acción, es su sentido político, dialógico.
La cooperación solidaria: un gesto que nos transforma
El Galpón no existiría sin las acciones de quienes cruzan nuestras puertas. Cada aporte es parte de esta red, casa, jardín que se cuida colectivamente, y a sus historias que no solo se cuentan, sino que pueden abrir una puerta por donde la herencia cultural renueve el intento de otro mundo posible.
“Nos mueven los procesos creativos, los enigmas del arte, la potencia de amar. Y aunque afuera el cinismo parezca inevitable, nosotros vamos a soñar lo inimaginable ¿En qué punto del escenario el futuro se hará infinito ?
Claudia Balinotti y Mariano Tiribelli
El Galpón de las Artes
¿Querés ayudarnos a sostener este sueño colectivo? Tu participación nos permite seguir construyendo este refugio cultural:
$3000: Cuida nuestra sala, un espacio para la imaginación.
$5000: Mejora el equipamiento técnico, para que las historias brillen más.
$10.000: Financia nuevas producciones, para que el teatro siga siendo un espejo de lo que somos y podemos ser.
Cada espectador trae consigo una chispa que enciende este lugar. Queremos escuchar tu voz:
¿Qué sentiste al cruzar nuestras puertas?
¿Qué emociones te dejó la última función?
“No sé si entendí, pero en una parte tuve miedo” o “se me erizó la piel” son frases que nos conmueven y nos recuerdan que el teatro no se explica, se vive.
Con más de 50 años en el arte, Leo Masliah cuenta con una obra prolífica, diversa y desafiante. En esta temporada en El Galpón de las Artes, Oscar Miño, Marcelo Goñi, Alita Nuñez y Dana Muleri le rinden homenaje y buscan que el público se abra al absurdo que propone el autor uruguayo a través de diferentes escenas.
En “Mundo Masliah” los elementos están a la vista y la música es una pata fundamental. El objetivo es divertir al público y el ritmo que se propusieron sus intérpretes está ajustado para provocar lo inevitable: la risa. El grupo sale a escena aunque esté todo mal, de principio a fin.
“El público cree que va a ver una comedia típica y descubre, con el transcurrir de las escenas, que también hay otras cosas. Además resaltan el ritmo y la justeza de lo cual estamos muy orgullosos porque trabajamos mucho”.
Con cinco décadas de recorrido artístico y 40 discos y en igual magnitud libros y textos dramáticos, acercarse al universo Masliah es un desafío porque hacer reír en teatro no es tarea sencilla.
Para esta oportunidad, Oscar Miño, quien también está a cargo de la dirección, comparte que las escenas nacieron a partir de “la lectura de dos libros principalmente: “Bolsa de basura” (2009) y “Tres idiotas en busca de un imbécil” (2006). En cuanto a los temas musicales, señala que fueron seleccionados por Axel Otarola de acuerdo a “su criterio de ejecución y originalidad”, así durante el espectáculo se puede escuchar “Todo así” y “Para hacer poesía ” aunque reconocen que “fue muy difícil dado lo prolífico del autor”.
¿Cómo se prepararon para encarar este proyecto?
(Dana) Nos empezamos a juntar en febrero (2024) y a leer distintos materiales, porque es muy grande las obras de Masliah porque tiene mucha textualidad y fuimos eligiendo, probando viendo que funcionaba y qué no. Nos fuimos quedamos con lo que más nos divertía hacer, lo que más nos proponía juego porque a veces desde la textualidad las obras no invitan tanto pero le pones el cuerpo y cambia un montón. Queremos pasarla bien.
¿Qué consideran que fue necesario para la creación?
(Marcelo) Primero es importante encontrar un texto que enamore y luego empezar a insistir en los espacios como El Galpón que es un lugar hermoso para ensayar y coordinar horarios, espacio, tiempo y disponibilidad. Tener mucha flexibilidad para acomodarse a la disponibilidad que ofrecen los espacios porque tienen muchas actividades. Hoy es un tema acomodarse y acordar. Trabajar en el espacio de la escena es sumamente importante.
¿Qué les inspiró a trabajar juntos?
(Oscar) Todos nos queremos, había ganas de trabajar. Hasta acá vamos bien, todos juntitos, teníamos ganas de trabajar con Alita Nuñez
(Alita):- Estoy rodeada de bestias actorales y muy contenta de trabajar con ellos, ya sabemos que tienen talento pero quería saber cómo era trabajar como personas y son re copados, nos llevamos re bien. Yo particularmente estoy muy contenta de trabajar con estos compañeros.
(Axel) Queremos pasarla bien y que se acerque el público para poder llevar a cabo la propuesta que realmente tiene mucho trabajo, mucho esfuerzo pero realmente se va completando con el público y está todo en función para que pueda darse
“Es un mundo raro Mundo Masliah”
¿Qué esperan que se lleve el público al terminar la función?
(Oscar) Esperamos que el público tenga una mínima idea de lo genial que es el autor y de su peculiar forma de escribir. En las escenas se plantean situaciones muy reconocibles las cuales, según la aceptación popular, se tienen que resolver de una manera, pero se resuelven de otra. De lo que se deduce que está todo mal.
Con la prolífica obra musical del autor imagino que no fue sencillo decidir qué temas incluirían ¿cómo fue esa decisión?
(Axel) Es la parte que me toca más desde el lado de una dirección musical digamos: Masliah tiene un espectro musical muy amplio, muy original, muy experimental y un poco se trato de buscar para este espectáculo algo que abarque todo ese espectro de la vasta producción que tiene Leo Masliah desde jugar con distintos géneros, música académica pero también con todo tipo de historias mezclamos las expresiones. La idea es velar algo de ese juego para que la obra tenga ese tinte.
“Mundo Masliah: todo mal” revaloriza una parte de la obra de Leo Masliah y es necesario. En tiempos de hostilidad, el sentido del humor es un bálsamo indispensable. Por eso es que El Galpón de las Artes abre sus puertas e invita a marplatenses y turistas a desahogarse a través de la risa.
En un escenario minimalista dos corporalidades atraviesan un sueño de signos latinoamericanos , irrumpen cosmologías con el uso de nuevas tecnologías, invitan al público a imaginar, a expandir las fronteras que impone la razón para recuperar la mística que tiene la teatralidad. Pasaron dos décadas de su estreno y Claudia Balinotti quien también está a cargo de la dirección, junto a Mónica Juárez y Mariano Tiribelli se afianzaron en una exploración que mezcla lenguajes.
Originalmente la obra se gestó en 2003 en el marco de la recuperación de Teatro x Identidad (TxI), desarrollaron 12 temporadas en Mar del Plata y otras provincias. Llegó una pandemia y por el 2021, el grupo decidió reponerla sumando nuevos lenguajes utilizando tecnología; con lo cual cosecharon reconocimientos como el premio “Innovación Estética” en el marco de la Fiesta Regional del Teatro 2023 y ha sido seleccionada por el Instituto Nacional del Teatro con una gira por la provincia de Buenos Aires. Así, la puesta invita al público a sumergirse en un espectáculo de teatro poético que combina proyecciones inmersivas, imágenes generadas por AI, sonido envolvente y modelos 3D.
En vísperas de cumplir 29 años gestionando El Galpón de las Artes, Balinotti, Tiribelli y Juárez siguen coincidiendo también en escena y comparten cómo nació la investigación y cómo fue reponerla veinte años después. Pasan los gobiernos, las crisis económicas como sociales y sin embargo se siguen eligiendo para explorar y producir teatro independiente.
“Lejos del teatro de personajes se trata de una investigación en artes y tecnologías hacia los procesos creadores para liberar el cuerpo/voz que somos, las memoria que somos, las violencias y la alienación subjetivante para el miedo que insisten y que el teatro poético pone en discusión
LA SEMILLA QUE PULSÓ QUIÉN TRAERÁ EL ALBA
¿Cuál fue la inspiración detrás de quien traerá el alba?
(Clau):-En 2003 estábamos en el ”Galpón de Rawson”, como le decimos cariñosamente a nuestra segunda sede en Rawson 3073. Fue una experiencia compleja rearmar la sala y revincular la continuidad del grupo con esperanza. Entre las muchas horas compartidas para entelar el tinglado y avanzar, Maru trajo las bases: se retomaba el Ciclo TxI. Ese contexto extraordinariamente épico de las Abuelas abrazó la identidad grupal con la colectiva. Nos dimos un espacio para compartir sentidos sobre el Ciclo. Escucharnos. Los silencio y las miradas, el sin aliento en medio de un recuerdo, eran ya las marcas de un texto íntimo, rebelde, esperanzador
Esa primera versión de Quién traerá el alba, fue expansiva respecto de la temática de TxI que se circunscribe al rapto de infancias. Escribí y direccioné la investigación con el propósito de hacer manifiesta la temática sobre identidad pero de fondo también quería exponer la condición de la teatralidad como una construcción en base a decisiones artísticas con capacidad de entrar en diálogo con la memoria histórica y de confrontar la versión de un único mundo posible, cruel.
(Moni):- Los leímos, charlamos, buscamos maneras de expresarlos, acordarmos… Cada texto sugiere imágenes, conectadas con un entramado de experiencias, la información que uno tiene de su contenido, la investigación al respecto y además el contexto actual, así en la búsqueda de la manera de expresarlos, surgieron corporal y vocalmente imágenes que contienen ese entramado dando lugar a la creación de variadas maneras de contar verbal y físicamente y que uno se ocupa de transitarlas cada vez, al pasar por la partitura de acciones generada.
¿Cómo respondieron los diferentes públicos?
La receptividad de los organizadores y de los espectadores resignificó un texto poético, una ficción tan orgánica como verdadera que desarrolló 12 temporadas en la ciudad y fuera del territorio nacional. Fue la obra con la que iniciamos el proyecto Cruzando Fronteras, red de intercambios artísticos latinoamericanos, llegando a México en 2004. La Red obtuvo entre otros el premio Teatro del Mundo que otorga la UBA. En cada “Cruce“ la obra se impregnó con la historia de los pueblos latinoamericanos México, Perú, Ecuador, Chile, Brasil, Bolivia, Colombia. Encontraba inspiración en poetas populares como Vallejos, Marti, también en el humanismo de Hannah Arendt, Freire por eso hay retazos de esas éticas emergiendo como imágenes o pronunciamientos en las raices eticas de Quien traerá el Alba
El proceso como dramaturga de la obra me saca de la realidad en un juego de cruces, pierdo la noción del tiempo y no vale censurarse, para mi el tratamiento del espacio, del tiempo, las corporeidades, confluyen e inspiran imágenes, sonidos, sentidos, palabras: generan poética
REENCONTRARSE DESPUÉS DE LA PANDEMIA
En la pandemia nació la reversión que podemos apreciar en temporada
¿cómo fue redescubrir la obra?
(Moni): Son textos que duelen, tienen densidad, movilizan pero dan impulso para seguir manteniendo una memoria viva.
Evocarlos a través del cuerpo y el corazón, y la posibilidad de expresarlos apelando a la sensibilización es para mí un gesto importante, necesario, desafiante. Poner el cuerpo y la voz para que sean.
(Claudia): –El contexto de pandemia trajo introspección, tramitó viejas y recientes heridas, la lucha por la vida. Reencontramos a crear, significó volver a reconocernos, a tocarnos. Sentí que Quién traerá el Alba…, contenía una herencia de utopías históricas, y en gran parte un testimonio potente de nuestra teatralidad y lo propuse, está obra que nos echó a andar sobre un territorio militante de lo humano, podía ser el lugar de ese reencuentro entre nosotros, con el teatro y con la comunidad. Siempre fuimos los tres, con Moni y con Marian trabajando en la producción de la obra. La reescritura del texto tuvo continuidades pero atravesada en el contemporáneo alojó vulnerabilidad, tomó riesgos y es un nuevo texto con transformaciones de las herramientas escénicas. La estética intensificó lo intimista en lo inmersivo, audiovisual, los cuerpos fueron otros.
¿Y desde la dirección?
(Clau):- La dirección hizo avanzar la fisicalización del texto, que fue conmocionante, porque busqué que el texto fuera emocional, respirable a la par y aparecía el sudor de una mano contra una costilla al sostenernos, aparecía un tiempo pausado, corrosivo a seguir, que dirigir desde adentro, desde un adentro continuó intentando producir una identificación con cada espectador tanto desde las temáticas como desde la forma escénica inusual que se presenta: pensar a los espectadores inmersos, vivos en la expectación, invitar a percibir porque si bien lo que acontece está enrarecido, enmascarado en lo onírico es profundamente potente para la creación de significados. Sin señalamientos, no se puede colonizar la imaginación creadora. En cada encuentro buscaba una comunión emocional y física entre nosotras, y esa comunicación trascendía al ojo de la cámara.
La propuesta inmersiva genera intriga ¿cómo incorporaron ese lenguaje?
(Clau): – Fue una primera experimentación escénica con innovación en el uso de las tecnologías. Fui aprendiendo con los conocimientos especializados de Mariano y orientando los cuerpos y la poesía en lo que él planteaba como una relación presente con la cámara. Durante la dirección estuve consciente de la creación de un cuerpo lienzo, la aparición súbita y vivida de las proyecciones, estuvimos disponibles como actrices a las herramientas y dispositivos que Mariano decidió investigar e incorporar. Podría decir que Mariano creaba una dramaturgia visual y esa dramaturgia articulada como la escénica iban siendo una en la otra, sucediendo una deconstrucción del espacio, del tiempo , de nosotras, en una otra arquitectura y temporalidad y en una otra/otro, que éramos y no éramos nosotras mismas. Marian filmó y sintetizó una arquitectura que nos hábito y desde la dirección la habitamos. Luego todo nuestro trabajo en equipo logró una producción embellecida de poéticas. Todo lo que aparece en la obra son decisiones artísticas.
UNA PUESTA VISUAL ATRAPANTE
En “Quién traerá el alba”, Mariano Tiribelli abre nuevas posibilidades visuales para atraer al público utilizando un lenguaje poco convencional. De esta manera, el artista marplatense logró combinar dos pasiones como es el “teatro y lo audiovisual”.
¿Cómo surgió la posibilidad de incluir proyecciones inmersivas?
Desde chico siempre estuve inmerso entre cámaras de fotos, laboratorio de revelado, filmadoras y videograbadoras. Mi tía, Edith Menéndez, fue la primera videasta de Mar del Plata, y realizaba mucho video arte. Así que heredé esa pasión e inquietud por la experimentación audiovisual. Con quién traerá el Alba, quise mezclar esas dos pasiones: el teatro y lo audiovisual, pero luego, pandemia… encierro.
La reescritura del texto tuvo continuidades pero atravesada en el contemporáneo alojó vulnerabilidad, tomó riesgos y es un nuevo texto con transformaciones de las herramientas escénicas. La estética intensificó lo intimista en lo inmersivo, audiovisual, los cuerpos fueron otros
En ese parate que impuso la condición sanitaria ¿qué pudiste explorar?
Le sumé más inquietudes, a mi me interesa mucho la electrónica y la tecnología. Así que empecé a explorar esas herramientas: mapping de video, programación e Inteligencia Artificial. En 2020 no existía ni chat gpt, ni ninguna de las herramientas que hoy están en uso. Además esas herramientas, que están alojadas en servidores externos y de las cuales uno no es dueño, tampoco me interesaban mucho. Trabajé con software Open Source y con modelos que yo mismo podía entrenar e investigar desde mi propia computadora.
¿ Qué nos podés compartir de los inicios?
Cuando empezamos a trabajar realizamos muchos registros audiovisuales y fotográficos que sirvieron de insumo para entrenar esos modelos y generar imágenes que son las que se proyectan algunas en la obra. Son modelos 3D de las actrices que se generan en vivo durante cada función.
Es así como evidencia el artista francés Pierrik Malebarnche, la obra como otras producción de El Galpón de las Artes es una “una poesía que tiene mucho trabajo puesto sobre el texto”. “Además traen con ellos una poesía visual muy sensible, una puesta muy original, el trabajo de video me impresionó mucho. Un trabajo donde las voces están muy presentes pero las actrices están de cierta forma al servicio de está poesía. Me sorprende mucho y me gustó”, comparte.
Hay un sistema que corrompe y que atenta con la sensibilidad de las personas, que sin darse cuenta apunta a inmovilizar los cuerpos, la conexión con otras personas, la sinergia del trabajo colectivo. “Quién traerá el alba” interpela sobre las condiciones humanas, sin juzgar, sin señalar verdades absolutas las paredes y los techos desaparecen y la memoria que deja huella queda plasmada a gran escala.
Es una reflexión profunda sobre la condición humana, que invita al público a explorar las complejidades de la existencia a través de la poesía y la tecnología . A lo largo de la función, quienes espectan son transportados a un universo emocional y reflexivo, donde las fronteras entre la realidad y la imaginación se difuminan para dar lugar a la emoción.
Un poema inmersivo. Quién traerá el alba… sube a escena esta temporada 2025 los domingos 5 y 19 de enero, 2 y 16 de febrero y el domingo 2 de marzo, siempre a la 21.30hs
Además, en El Galpón de las Artes, invitan a marplatenses y turistas a zambullirse en espectáculos experimentales como “Insomnia”, la última propuesta del grupo Musa Híbrida que está inspirado en el universo de Alejandra Pizarnik, para la cual Mariano Tiribelli también realizó el diseño de imagen del flyer entrenando una Ai con imágenes que registro en los ensayos. Se trata de alternativas que profundizan para interpelar a quien se anime a sentir.
“¿Qué sucede cuando un Nadie tiene –ahora- la oportunidad de ser observado?” Indaga la sinopsis de la obra que por segundo año consecutivo protagoniza Nacho Rey en El Galpón de las Artes, con la dirección de Javier Lester Abálsamo. Con su mezcla única de circo y teatro, ‘El Naides‘ es una experiencia emocionante y divertida que sorprende al público con su simpleza, originalidad y creatividad.
Nacho Rey es un artista polifacético que comenzó su carrera en el Circo Criollo de Buenos Aires, se popularizó con su labor en Hazmerreír y el espectáculo Barlovento. A su vez ha recorrido diversos países con sus participaciones en festivales en Portugal, Alemania y Suiza, en presentaciones en las que siempre combina su destreza, con humor y ternura para cautivar al público.
“Mi intención es poder hacer visible estas realidades y estos mundos que están cargados de sabiduría, amor, tristezas, desencuentros o fracasos y poder llegar a la gente de una manera más humana”
Tras consagrarse con el premio Estrella de Mar a Mejor Actor Marplatense el verano pasado, Nacho Rey y Javier Lester Abálsamo volvieron a elegir la sala ubicada en Jujuy 2755 para embarcarse en una nueva temporada que, según reconocen los “sorprendió”. “Nos llevamos una grata sorpresa de arrancar con la sala llena en la primera función, no teníamos expectativas, no sabíamos qué iba a pasar y arrancar con la sala explotada fue una gran alegría”, señala.
“Nos sentimos muy cómodos, es un espacio muy agradable nos sentimos cómodos con el sistema de Cooperación Solidaria que trabaja la sala, el viejo ‘a la gorra’, nos parece muy adecuado a nuestra forma de pensar”, reconoce y reafirma que el equipo “abre el corazón para sentirse a gusto”.
¿Qué se propusieron abordar en El Naides?
– Mi intención es poder hacer visible estas realidades y estos mundos que están cargados de sabiduría, amor, tristezas, desencuentros o fracasos y poder llegar a la gente de una manera más humana y poder romper esa barrera social y de temor.
En pandemia germinó la idea que luego de recorrer diferentes escenarios tomó forma a través de la dirección de Javier Lester Abálsamo la historia de circo – teatro creció, no solo divierte sino que abre el espacio a través de su poética para reflexionar sobre aquellas personas que “están invisibles y viven en la calle”.
– Con el recorrido que tiene la obra ¿Qué destacarías del público?
– En la mirada de los adultos, la primera sensación es de una persona marginal con su mundo, con su locura y su bagaje y quizás eso genera un poco de distancia y de angustia de una cierta realidad. Sin embargo, en las infancias es totalmente distinto no tienen esa construcción hecha y la empatía es mucho más directa
– ¿Qué pasó cuando salió El Naides a la calle?
– Cuando lo hago en lugares donde hay gente en situación de calle realmente sentí temor porque no sabía cuál iba a ser su respuesta, me pasó en la Peatonal. Sin embargo, fue muy grata. Realmente vi cómo la disfrutaban, se veían reflejados y se divertían sin prejuicio hacía mí que soy un actor interpretando un personaje que quizás es ajeno a mi realidad.
“El Naides” no solo es una obra de teatro, sino también una invitación a la reflexión y la conciencia social. A través del personaje de Tito, Nacho Rey exhibe de manera amorosa y muestra la realidad de aquellas personas que viven en la calle, y la importancia de la empatía.
“¿Qué pasa cuando el espectador llega al teatro y se sienta para ver el cotidiano de un Naides que se acostumbró a la indiferencia?” A través de recursos teatrales, el artista circense comparte un universo donde la imaginación es protagonista y así sumerge al público en un día de tantos de Tito, una persona en situación de calle que se las rebusca para comer, bailar, bañarse y olvidarse un momento de la cruda realidad.
La temporada recién comienza y en El Galpón de las Artes con una cartelera que cuenta con diversas propuestas para todo tipo de públicos como “El Sol”, el espectáculo unipersonal pluridisciplinario de acrobacias y teatro para compartir en familia se presenta este domingo. No te quedes con la intriga y reservá tus localidades para vivir una experiencia indescriptible.
